Faculty

Professional Training Program

Teachers and Guest Artists 2026-2027

KATIE ADAMS-GOSSAGE

Improvisation
Rehearsal Direction

PEGGY BAKER

Guest Artist

DANIELLE BASKERVILLE

Body Work

JOHANNA BERGFELT

Contemporary & Ballet
Rehearsal Direction

DREW BERRY

Film for Dance

VALERIE CALAM

Contemporary & Somatic Techniques
Elements of Design

JEN DAHL

Body Work

ANDREA DOWNIE

Body Work

MONICA "KNIVES" FERNANDES

Krump Workshop

ANNA FINKEL

Composition
Creative Process

KÉÏTA FOURNIER-PELLETIER

Flying Low

SARAH FREGEAU

Body Work

SAM GRIST

Body Work

AME HENDERSON

Creative Process

CHRISTOPHER HOUSE

Composition

Rumi Jeraj

Creative Process

EVADNE KELLY

Dance History

BONNIE KIM

Contemporary
Creative Process | Studio Practices
Rehearsal Direction

ALANNA KRAAIJEVELD

Inspire by Fighting Monkey Practice

RYAN LEE

Partnering
Contemporary

SUZANNE LISKA

Contact Improvisation

SHANNON LITZENBERGER

Cultivating a Career

LUKAS MALKOWSKI

Contemporary Floorwork
Creative Process

JP MANABAT

Hip Hop

MEGAN NADAIN

Contemporary
Body Work
Pedagogy
Rehearsal Direction

DEDRA MCDERMOTT

Composition | Dramaturgy

NATASHA POON WO

Contemporary
CI Training

RAPHAEL ROTER

Free Dance-Music Improvisation Workshop

ELKE SCHROEDER

Inspire by Fighting Monkey Practice
Creative Process

KATHERINE SEMCHUK

Contemporary Floorwork
Cultivating a Career

Lua Shayenne

West African Dance Workshop

MICHELLE SILAGY

Pedagogy

EMILY SPEARING

Contemporary Floorwork

HEIDI STRAUSS

Contemporary Floorwork
Creative Process

ANISA TEJPAR

Intimacy Workshop

SHALON WEBBER-HEFFERNAN

Philosophy & Critical Theory

TIMEA WHARTON-SURI

Cultivating a Career

Katie Adams-Gossage (she/her) is a dance artist from Montreal, currently living and working in Toronto. She has worked with notable choreographers and presenters including Heidi Strauss, Toronto Dance Theatre, Darryl Tracy, Maxine Heppner, Jenn Goodwin, Pulga Muchochoma, Katherine Semchuk, and Tavia Christina. Her choreographic work has been presented by Nuit Blanche, SummerWorks, and the Museum of Contemporary Art.

Katie is passionate about dance education and hones her teaching practice with mentorship from Peggy Baker and Rosemary James at Canada’s National Ballet School and Toronto Metropolitan University. She leads improvisational classes in Toronto’s professional dance community, adult contemporary classes at Dance Arts Institute, and has been a guest teacher at Canada’s National Ballet School, Canadian Contemporary Dance Theatre, and Dance Arts Institute. She recently published an essay unpacking normalised studio practices as a 2024 artist researcher with Dancemakers and is devoted to sharing embodiment practices in an empowering environment.

Katie Adams-Gossage (elle) est artiste de danse originaire de Montréal, qui vit et travaille à Toronto. Elle a travaillé avec des chorégraphes et des diffuseurs renommé, notamment Heidi Strauss, le Toronto Dance Theatre, Darryl Tracy, Maxine Heppner, Jenn Goodwin, Pulga Muchochoma, Katherine Semchuk et Tavia Christina. Son travail chorégraphique a été présenté par Nuit Blanche, SummerWorks et le Museum of Contemporary Art.

Katie est passionnée par l'enseignement de danse et perfectionne sa pratique pédagogique grâce au mentorat de Peggy Baker et de Rosemary James à l'École nationale de ballet du Canada et à l'Université métropolitaine de Toronto. Elle dirige des cours d'improvisation dans la communauté de danse professionnelle de Toronto, des cours de danse contemporaine pour adultes au Dance Arts Institute, et a été professeur invité à l'École nationale de ballet du Canada, au Canadian Contemporary Dance Theatre et au Dance Arts Institute. Elle a récemment publié un essai sur les pratiques normalisées en studio en tant qu'artiste chercheuse 2024 avec Dancemakers et se consacre au partage des pratiques d'incarnation dans un environnement propice à l'autonomisation.

Photo: Aidan Tooth

Peggy Baker has been a vibrant presence in dance for five decades, respected as a performer in the work of esteemed Canadian and American creators; as an educator in conservatory dance programs throughout North America; as a champion of live music for dance; and as a choreographer of potent and visually striking works for her Toronto based company, Peggy Baker Dance Projects (1990 – 2023). Her work has been presented in theatres, galleries, public spaces and on media screens throughout Canada and the U.S., as well as Mexico, Argentina, Belgium, Germany, the Netherlands, Denmark, Korea, and Japan. Among her many honours: the Order of Canada, the Governor General’s Award, the Premier’s Award, the Carsen Prize, Honorary Doctorates from York University and the University of Calgary, the Eldred Family Dance Award, and six Dora Mavor Moore awards. Ms. Baker continues to teach, choreograph, stage, coach, and perform as an independent artist.

Peggy Baker est une présence dynamique dans le domaine de la danse depuis cinq décennies, respectée en tant qu'interprète dans les œuvres de créateurs canadiens et américains estimés, en tant qu'éducatrice dans les programmes de danse des conservatoires de toute l'Amérique du Nord, en tant que championne de la musique en direct pour la danse et en tant que chorégraphe d'œuvres puissantes et visuellement frappantes pour sa compagnie basée à Toronto, Peggy Baker Dance Projects (1990 - 2023). Ses œuvres ont été présentées dans des théâtres, des galeries, des espaces publiques et sur les écrans des médias partout au Canada et aux États-Unis, ainsi qu'au Mexique, en Argentine, en Belgique, en Allemagne, aux Pays-Bas, au Danemark, en Corée et au Japon. Parmi les nombreuses distinctions qu'elle a reçues, citons l'Ordre du Canada, le Prix du Gouverneur général, le Prix du Premier ministre, le Prix Carsen, des doctorats honorifiques de l'Université York et de l'Université de Calgary, le Eldred Family Dance Award et six prix Dora Mavor Moore. Mme Baker continue d'enseigner, de chorégraphier, de mettre en scène, de coacher et de se produire en tant qu'artiste indépendante.

Photo: Vikram Dasgupta

Danielle Baskerville has been engaged in performing, teaching, rehearsal directing, producing, and advocating within the field of dance for 30 years. She has received numerous awards for performance, as well as independent and scholarly support for research into dance archiving, and the intersection of performance and affect theory. She has served a five-year term on the board of the Canadian Alliance of Dance Artists (CADA-East), received her MA from York University, is Artistic Associate of The Dietrich Group and Artistic Coordinator at Dance Arts Institute. As a performer she most recently appeared in a solo film by Jonathan Osborn entitled 100 YEARS OF WOMEN IN CINEMA IN 300 MOVING PIECES (composed of chronologically organised excerpts of movement sourced from the performances of 300 different female "icons" from global cinema). In addition to her dance life, Danielle is one year into a new career as a Registered Massage Therapist and finding immense joy in helping others feel better in their bodies.

Depuis 30 ans, Danielle Baskerville se produit, enseigne, dirige des répétitions, et défend les intérêts de la danse dans le domaine. Elle a reçu de nombreux prix pour ses performances, ainsi qu'un soutien indépendant et universitaire pour ses recherches sur l'archivage de la danse et l'intersection de la performance et de la théorie de l'affect. Elle a siégé pendant cinq ans au conseil d'administration de le Canadian Alliance of Dance Artists (CADA-East), a obtenu sa maîtrise à l'université York, est associée artistique du Dietrich Group et coordinatrice artistique du Dance Arts Institute. En tant que performeuse, elle est récemment apparue dans un film solo de Jonathan Osborn intitulé 100 YEARS OF WOMEN IN CINEMA IN 300 MOVING PIECES (composé d'extraits de mouvements organisés chronologiquement à partir des performances de 300 « icônes » féminines différentes du cinéma mondial). En plus de sa vie de danseuse, depuis un an Danielle a commencé une nouvelle carrière de massothérapeute agréée et trouve une immense joie à aider les autres à se sentir mieux dans leur corps.

Johanna Bergfelt, a native of Sweden, graduated from The Royal Swedish Ballet School in 1989. She has an extensive performance background beginning with Östgötabaletten, where she worked for six years, and later joined Norrdans, and the Barents Dance Ensemble. Since coming to Canada in 2000, Johanna has worked with The Chimera Project, Kaeja d’Dance, Kathleen Rea, Santee Smith, Darcey Callison, Louis Laberge-Côté, Kate Alton, Holly Small, William Yong, Pro Arte Danza, Mairéad Filgate, Yvonne Ng, and the Toronto Dance Theatre, where she was a company dancer for six years. Johanna has been nominated four times for a Dora Mavor Moore Award.

As a teacher Johanna teaches regularly at In Studio, The Citadel, The Dance Institute, her own online classes, and company classes at Toronto Dance Theatre.

Johanna Bergfelt est originaire de Suède et diplômée de la Royal Swedish Ballet School depuis 1989. Elle a une longue expérience de l’interprête débutante avec Östgötabaletten, où elle a travaillé pendant six ans, avant de rejoindre Norrdans et le Barents Dance Ensemble. Depuis son arrivée au Canada en 2000, Johanna a travaillé avec The Chimera Project, Kaeja d’Dance, Kathleen Rea, Santee Smith, Darcey Callison, Louis Laberge-Côté, Kate Alton, Holly Small, William Yong, Pro Arte Danza, Mairéad Filgate, Yvonne Ng et le Toronto Dance Theatre, où elle a été danseuse pendant six ans. Johanna a été nominée quatre fois pour le prix Dora Mavor Moore.

En tant qu’enseignante, Johanna enseigne régulièrement à In Studio, la Citadelle, The Dance Institute, ses propres cours en ligne et les cours de compagnie au Toronto Dance Theatre.

Photo: Aleksandar Antonijevic

Drew Berry is a Toronto-based dance artist and educator whose teaching practice bridges dance, performance, film, and visual documentation. Over the past decade, she has built a multifaceted career as a performer, photographer, and videographer, with a deep passion for documentation and the preservation of dance. Since 2016, she has been a company member of Rock Bottom Movement, touring extensively and performing in numerous works, three of which were awarded Dora Mavor Moore Awards for Best Ensemble Performance and two for Best Production.

With over seven years of post-secondary teaching experience, Drew is dedicated to fostering student growth through clarity, encouragement, and achievable goals to build confidence and curiosity in the studio and beyond. Drew is currently part-time faculty at Centennial College, where she teaches Ballet, Audition Performance Preparation, and Introduction to the Arts Industry within the Performing Arts and Communications program and is thrilled to be joining the faculty at Dance Arts Institute. She has taught dance film classes and workshops at institutions such as Toronto Metropolitan University, Eastwood Collegiate, the Contact Dance International Film Festival, and numerous high schools across the GTA. In addition to her teaching, Drew has served as a mentor for emerging filmmakers, including roles with Choreographic Works at Toronto Metropolitan University and with Reverb at Theatre Oculus.

Drew’s creative and pedagogical approach is informed by her dual career as a performer and dance filmmaker. She specialises in documenting movement with an improvisational, intuitive eye — skills she translates into the classroom to guide students in understanding the relationship between choreography, camera, and editing.

Drew holds a BFA (Honours) in Performance Dance from Toronto Metropolitan University, her Grade 10 Royal Conservatory Classical Piano Exam, and is a graduate of Quinte Ballet School of Canada’s post-graduate program.

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Drew Berry est artiste et éducatrice en danse basée à Toronto dont sa pratique pédagogique fait le lien entre la danse, la performance, le cinéma et la documentation visuelle. Au cours de la dernière décennie, elle s'est forgé une carrière multiforme en tant qu'artiste, photographe et vidéaste, animée par une profonde passion pour la documentation et la préservation de la danse.

Depuis 2016, elle est membre de la compagnie Rock Bottom Movement, avec laquelle elle a effectué de nombreuses tournées et joué dans de nombreuses œuvres, dont trois ont été récompensées par le prix Dora Mavor Moore de la meilleure performance d'ensemble et deux par celui de la meilleure production. Avec plus de sept ans d'expérience dans l'enseignement supérieur, Drew se consacre à favoriser l'épanouissement des étudiants grâce à la clarté, à l'encouragement et à des objectifs réalisables afin de renforcer leur confiance et leur curiosité dans le studio et au-delà. Drew est professeure à temps partiel au Centennial College, où elle enseigne le ballet, la préparation aux auditions et l'introduction à l'industrie des arts dans le cadre du programme des arts de la scène et de la communication. Elle est ravie de rejoindre le corps enseignants du Dance Arts Institute. Elle a donné des cours et des ateliers sur le cinéma de danse dans des établissements tels que l'Université métropolitaine de Toronto, l'Eastwood Collegiate, le Contact Dance International Film Festival et de nombreuses écoles secondaires de la région du Grand Toronto. En plus de son travail d'enseignante, Drew a été mentor pour de jeunes cinéastes, notamment dans le cadre de Choreographic Works à l'Université métropolitaine de Toronto et de Reverb au Théâtre Oculus.
L'approche créative et pédagogique de Drew s'inspire de sa double carrière d'interprète et de réalisatrice de films de danse. Elle se spécialise dans la documentation du mouvement avec un œil intuitif et improvisé, des compétences qu'elle met à profit dans ses cours pour aider ses étudiants à comprendre la relation entre la chorégraphie, la caméra et le montage. Drew est titulaire d'un baccalauréat en beaux-arts (avec distinction) en danse de l'Université métropolitaine de Toronto, d'un diplôme de niveau 10 en piano classique du Conservatoire royal et d'un diplôme d'études supérieures de la Quinte Ballet School of Canada.

Photo: Justin Lee

Valerie Calam is a dance artist interested in finding pathways to refresh and support herself. She works with movement, fabric, patterns, sound, numbers, the nervous system, the body, and likes to edit/adapt/repurpose things. Val enjoys working alongside dancers, artists & queer creatives and has a long history as a performer, teacher and choreographer in Toronto. She is the Membership Coordinator & Operations Manager for CADA/East (Canadian Alliance of Dance Artists-East Chapter). She completed a Master of Fine Arts Degree in Choreography in 2014 at York U and is the recipient of the KM Hunter Award for dance.

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Valerie Calam est artiste de danse qui cherche à trouver des moyens de se renouveler et de se soutenir. Elle travaille avec le mouvement, les tissus, les motifs, les sons, les chiffres, le système nerveux, le corps, et aime modifier/adapter/réutiliser les choses. Val aime travailler aux côtés de danseurs, d'artistes et de créateurs queer. Elle a une longue expérience en tant qu'interprète, enseignante et chorégraphe à Toronto. Elle est coordinatrice des adhésions de membres et directrice des opérations pour la CADA/Est (Canadian Alliance of Dance Artists-East Chapter). Elle a obtenu une maîtrise en beaux-arts avec spécialisation en chorégraphie en 2014 à l'Université York et a reçu le prix KM Hunter pour la danse.

Photo: Maizy Shepherd

Jennifer Dahl brings over 20 years of expertise from the fields of dance, post rehabilitative, and fitness/performance based training to her work at numerous institutions. She is a fully certified STOTT PILATES Master Instructor Trainer and fully certified American Council of Exercise Personal Trainer who has had an active and continuous presence worldwide, as an educator and as a member of the Education Dept. for Merrithew since 2000. A graduate of the University of Toronto Psychology department with a specialty in Physiology, Jennifer continues to hone her approach to the mind body connection through well articulated movement and training programs. A desire to create relevant, informed and effective programming has allowed her to further explore biomechanical concepts and ideologies rooted in the fascial system in addition to revisiting more established strength and conditioning protocols and training.

She is a contemporary dancer and theatre artist who continues to work and perform in Canada and abroad. Jennifer began her movement training in Saskatchewan and continued with dance training in Montreal and New York City (Alvin Ailey American Dance Centre) before graduating from Dance Arts Institute (Formerly The School of the Toronto Dance Theatre) in 1994. She has worked/collaborated with a multitude of both established and emerging creators in both dance and theatre including Volcano Theatre (The 4 Horseman Project), Susanna Fournier (4 Sisters-Empire Trilogy) choreographer Bill Coleman (Grasslands, Hymn to The Universe featuring the Sun Ra Arkestra) playwright Jordan Tannahill (Declarations), Obsidian Theatre (Adventures of a Black Girl in Search of God), The Dietrich Group (This is a Costume Drama, FIELDWORK) and Peter Chin (Trillionth I).

Jennifer Dahl apporte plus de 20 ans d'expertise dans les domaines de la danse, de la rééducation et de l'entraînement basé sur la condition physique et la performance à son travail dans de nombreuses institutions. Elle est certifiée STOTT PILATES Master Instructor Trainer et American Council of Exercise Personal Trainer. Depuis 2000, elle est présente de manière active et continue dans le monde entier, en tant qu'éducatrice et membre du département de l'éducation de Merrithew. Diplômée du département de psychologie de l'Université de Toronto avec une spécialisation en physiologie, Jennifer continue d'affiner son approche du lien entre l'esprit et le corps grâce à des programmes de mouvement et d'entraînement bien articulés. Son désir de créer des programmes pertinents, informés et efficaces lui a permis d'explorer de plus les concepts biomécaniques et les idéologies enracinées dans le système fascial, tout en revisitant des protocoles et des entraînements de force et de conditionnement plus établis.

Danseuse contemporaine et artiste de théâtre, elle continue de travailler et de se produire au Canada et à l'étranger. Jennifer a commencé sa formation en mouvement en Saskatchewan et a poursuivi sa formation en danse à Montréal et à New York (Alvin Ailey American Dance Centre) avant d'obtenir son diplôme du Dance Arts Institute (anciennement The School of the Toronto Dance Theatre) en 1994. Elle a travaillé/collaboré avec une multitude de créateurs établis et émergents dans les domaines de la danse et du théâtre, notamment Volcano Theatre (The 4 Horseman Project), Susanna Fournier (4 Sisters-Empire Trilogy), le chorégraphe Bill Coleman (Grasslands, Hymn to The Universe featuring the Sun Ra Arkestra), le dramaturge Jordan Tannahill (Declarations), Obsidian Theatre (Adventures of a Black Girl in Search of God), The Dietrich Group (This is a Costume Drama, FIELDWORK) et Peter Chin (Trillionth I).

Andrea Downie PhD divides her time between Toronto—where she is on faculty at Dance Arts, and Calgary—where she is an assistant professor in Dance and adjunct professor in Kinesiology at University of Calgary. Her SSHRC-funded research focuses on embodied human flourishing and sits at the intersection of dance science, somatic movement, dancer wellness, and humanizing dance education. Andrea is a C-I Training TM (Conditioning-with-Imagery Training for dancers) master teacher and teacher certification course provider. She is also a founding director and past president of Healthy Dancer Canada, the founding director of Enhance Dance, and an advisory group member and registered provider of the Healthy Dance Certificates with Safe in Dance International.

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Andrea Downie, titulaire d'un doctorat, partage son temps entre Toronto — où elle enseigne à Dance Arts — et Calgary — où elle est professeur assistante en danse et professeur associé en kinésiologie à l'Université de Calgary. Ses travaux de recherche, financés par le CRSH, portent sur l'épanouissement humain incarné et se situent à la croisée de la science de la danse, du mouvement somatique, du bien-être des danseurs et d'une approche humaine de l'enseignement de la danse. Andrea est maître-formatrice en C-I Training TM (entraînement par l'imagerie mentale pour les danseurs) et organisatrice de formations de certification des enseignants. Elle est également directrice fondatrice et ancienne présidente de Healthy Dancer Canada, directrice fondatrice d'Enhance Dance, ainsi que membre du comité consultante et prestataire agréée des certificats “Healthy Dance” auprès de Safe in Dance International.

Kéïta Fournier-Pelletier is a queer, Métis, Franco-Manitoban artist from Treaty 1 Territory, based in Tkaronto. They are continuously discovering what these intersecting identities mean to them, and the role they play in their art practice as a dancer, choreographer and educator. Kéïta is a graduate from Dance Arts Institute, and holds a BFA in Dance from York University. Her work has been presented across Toronto, as well as Hamilton, Kitchener, and most recently Montreal and Halifax. She is the co-founder of the dance collective, Tendre Effort, with her collaborator Barbara Simms. Her most recent credits include touring her piece, Pillar of You; performing in adelheid's newest work tender; and touring La Mitchin di Mitchif with Métis dance company, V’ni Dansi. She has studied Flying Low & Passing Through with David Zambrano, in Brussels, Belgium. She continues to develop these techniques and bring them into her teaching practice to share with the Toronto dance community.

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Kéïta Fournier-Pelletier est artiste queer, métisse et franco-manitobaine originaire du territoire du Traité n° 1, basée à Tkaronto. Elle continue de découvrir ce que ces identités croisées signifient pour elle et le rôle qu'elles jouent dans sa pratique artistique en tant que danseuse, chorégraphe et éducatrice. Kéïta est diplômée du Dance Arts Institute et titulaire d'un baccalauréat en beaux-arts avec spécialisation en danse de l'Université York. Ses oeuvres on été présentées à Toronto, ainsi qu'à Hamilton, Kitchener et, plus récemment, à Montréal et Halifax. Elle est cofondatrice du collectif de danse Tendre Effort, avec sa collaboratrice Barbara Simms. Parmi ses projets récents, citons la tournée de sa pièce Pillar of You, sa participation à la dernière œuvre d'adelheid, tender, et la tournée de La Mitchin di Mitchif avec la compagnie de danse métisse V'ni Dansi. Elle a étudié Flying Low & Passing Through avec David Zambrano, à Bruxelles, en Belgique. Elle continue à développer ces techniques et à les intégrer dans sa pratique pédagogique afin de les partager avec la communauté de danseurs de Toronto.

Photo: Kendra Epik

Anna Finkel is an award-winning performer and educator working internationally across dance and physical theatre. Based in London, UK from 2007 to 2025, she created, performed, and toured original work with leading companies including Punchdrunk, Gecko, Ben Duke / Lost Dog, DV8, Handspring, Ace Dance and Music, and Douglas Thorpe.

Her long-standing collaboration with Punchdrunk includes co-devising the roles of Persephone in The Burnt City and Wendy (Woyzeck) in The Drowned Man, as well as performing Lady Macbeth in Sleep No More in New York City and Shanghai, where she also served as rehearsal director. Her screen credits include BBC4’s The Time of Your Life, Alex Kurtzman’s The Mummy, and Alex Garland’s Annihilation.

In Canada, Anna has worked with artists and companies including Heidi Strauss, Sharon Moore, Susanna Hood, Kathleen Rea, Keaja d’Dance, Dancemakers, and Le Groupe Dance Lab, where she was a company member under the direction of Peter Boneham and Tony Chong. Anna trained at The School of Toronto Dance Theatre (now Dance Arts Institute) and holds an MA in Dance Performance from Trinity Laban Conservatoire in London.

As an educator, Anna has taught internationally to companies and students of both dance and theatre. Her focus is on integrating the two forms of performance centering embodied storytelling practices. Anna is also a qualified intimacy coordinator and director, supporting performers and productions across dance, theatre, film, and television.

Anna Finkel est artiste et enseignante primée qui travaille à l'échelle internationale dans les domaines de la danse et du théâtre physique. Basée à Londres, au Royaume-Uni, de 2007 à 2025, elle a créé, interprété et présenté en tournée des œuvres originales avec des compagnies de premier plan telles que Punchdrunk, Gecko, Ben Duke/Lost Dog, DV8, Handspring, Ace Dance and Music et Douglas Thorpe.

Sa collaboration de longue date avec Punchdrunk comprend la co-création des rôles de Perséphone dans The Burnt City et de Wendy (Woyzeck) dans The Drowned Man, ainsi que l'interprétation de Lady Macbeth dans Sleep No More à New York et à Shanghai, où elle a également occupé le poste de directrice des répétitions. Elle a notamment joué dans The Time of Your Life sur BBC4, The Mummy d'Alex Kurtzman et Annihilation d'Alex Garland.

Au Canada, Anna a travaillé avec des artistes et des compagnies telles que Heidi Strauss, Sharon Moore, Susanna Hood, Kathleen Rea, Keaja d’Dance, Dancemakers et Le Groupe Dance Lab, où elle était membre de la compagnie sous la direction de Peter Boneham et Tony Chong. Anna a suivi une formation à la School of Toronto Dance Theatre (aujourd'hui Dance Arts Institute) et est titulaire d'une maîtrise en danse du Trinity Laban Conservatoire de Londres.

En tant qu'éducatrice, Anna a enseigné à l'échelle internationale à des compagnies et à des étudiants en danse et en théâtre. Elle s'attache à intégrer les deux formes de performance centrées sur les pratiques narratives incarnées. Anna est également coordinatrice d’intimité qualifiée et directrice, apportant son soutien aux artistes et aux productions dans les domaines de la danse, du théâtre, du cinéma et de la télévision.

Sarah Fregeau is a Dora Mavor Moore-nominated dance artist & educator working with various choreographers in Toronto since 2009.

From 2010 to 2022 she was a core company member of Peggy Baker Dance Projects. From 2009-2014 she created and toured internationally with Montréal’s Jose Navas/Compagnie Flak.

As a teacher and rehearsal director, she has guest taught for Ecole de danse contemporaine de Montréal, Toronto Metropolitan University, The School of Toronto Dance Theatre, Quinte Ballet School, Danse a la Carte, Peggy Baker Dance Projects,’ and Canadian Contemporary Dance Theatre.

She is a certified Pilates instructor and Soma Trainer, using her curiosity about the body to help students discover new ways of moving, while encouraging them to challenge themselves as appropriate for their unique needs. Sarah has taught physical conditioning in various students in Toronto and Berlin since 2017.

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Sarah Fregeau est danseuse et enseignante nominée aux prix Dora Mavor Moore qui travaille avec divers chorégraphes à Toronto depuis 2009.
De 2010 à 2022, elle a été membre principale de la compagnie Peggy Baker Dance Projects. De 2009 à 2014, elle a créé et tourné à l'international avec la compagnie montréalaise Jose Navas/Compagnie Flak.

En tant qu’enseignante et directrice de répétitions, elle a enseignante invitée à l'École de danse contemporaine de Montréal, à l'Université métropolitaine de Toronto, à l'École de danse de Toronto, à l'École de ballet Quinte, à Danse à la carte, à Peggy Baker Dance Projects et au Théâtre canadien de danse contemporaine.
Elle est instructrice certifiée de Pilates et formatrice Soma. Elle met à profit sa curiosité pour le corps afin d'aider ses élèves à découvrir de nouvelles façons de bouger, tout en les encourageant à se dépasser en fonction de leurs besoins particuliers. Sarah enseigne le conditionnement physique à divers étudiants à Toronto et à Berlin depuis 2017.

Sam Grist is a Toronto-based contemporary dancer, rehearsal director, teacher, and arts administrator. Sam has been a performer with surrealist dance-theatre company Rock Bottom Movement since 2012, winning Dora Mavor Moore Awards for "Outstanding Performance by an Ensemble" (among others) for their works "hollow mountain" (2020), "Sex Dalmatian" (2023), and "Big Time Miss" (2025). In 2025, Sam also made her acting debut with Coal Mine Theatre (Toronto) in their multi–Dora Award-winning production of "People, Places and Things", directed by Diana Bentley and Alyssa Martin. In addition to her work with Rock Bottom, Sam has performed with choreographers including Hanna Kiel, David Earle, Susie Burpee, Shannon Litzenberger, Julia Aplin, Anisa Tejpar, and Clare Preuss.

When she is not performing, Sam is a passionate teacher for students of all ages. She has been a guest teacher and/or rehearsal director for Rock Bottom Movement, Dance Arts Institute, Toronto Metropolitan University, The Fifth Dance, Quinte Ballet School, Mindful Movement Centre, VIEW Dance Convention, along with numerous arts high schools across the GTA.

Sam earned her BFA in Performance Dance from Toronto Metropolitan University in 2013, and is a certified Extension Method™ teacher and Mat Pilates instructor. She is honoured to be an Artistic Associate and the Admissions Coordinator at Dance Arts Institute's Professional Training Program, and is thrilled to be supporting the next generation of dancers, creators, and arts workers.

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Sam Grist est danseuse contemporaine, directrice de répétitions, enseignante et administratrice artistique à Toronto. Sam est artiste au sein de la compagnie de danse-théâtre surréaliste Rock Bottom Movement depuis 2012. Elle a remporté le prix Dora Mavor Moore dans la catégorie «Meilleure performance d'ensemble» (entre autres) pour leurs œuvres hollow mountain (2020), Sex Dalmatian (2023) et Big Time Miss (2025). En 2025, Sam a également fait ses débuts d'actrice avec le Coal Mine Theatre (Toronto) dans leur production People, Places and Things, récompensée par plusieurs prix Dora, mise en scène par Diana Bentley et Alyssa Martin. En plus de son travail avec Rock Bottom, Sam s'est produite avec des chorégraphes tels que Hanna Kiel, David Earle, Susie Burpee, Shannon Litzenberger, Julia Aplin, Anisa Tejpar et Clare Preuss.

Quand elle ne se produit pas sur scène, Sam est une enseignante passionnée qui s'adresse à des élèves de tous âges. Elle a été enseignante invitée et/ou directrice de répétitions pour Rock Bottom Movement, Dance Arts Institute, Toronto Metropolitan University, The Fifth Dance, Quinte Ballet School, Mindful Movement Centre, VIEW Dance Convention, ainsi que pour de nombreuses écoles secondaires artistiques de la région du Grand Toronto.

Sam a obtenu son baccalauréat en beaux-arts avec spécialisation en danse à l'Université métropolitaine de Toronto en 2013. Elle est également enseignante certifiée de la méthode Extension Method™ et instructrice de Pilates au sol. Elle est honorée d'être associée artistique et coordonnatrice des admissions au programme de formation professionnelle du Dance Arts Institute, et elle est ravie de soutenir la prochaine génération de danseurs, de créateurs et de travailleurs du milieu artistique.

Photo: Drew Berry

Ame Henderson works with dance and choreography. With a practice that spans publication, performance and exhibition, her work proposes experiential modes of being together. Her long-term collaborations include the collective experimental company Public Recordings, with whom she produced and toured over a dozen ensemble works from 2005-2015, and Toronto Dance Theatre where she collaborated as a choreographer, outside eye and mentor from 2013-19. Henderson is currently touring Show Gone the final dispatch in a triptych of duets co-created and performed with the Croatian artist Matija Ferlin, and is a co-creator of The Chains by Evan Webber, and a dramaturg for Katie Ward’s new creation Hyper Portrait. Henderson has facilitated choreographic practice in a variety of contexts including University of British Columbia – Okanagan, University of Calgary, Toronto Dance Theatre, Toronto Community Love in and Banff Centre. She studied at Concordia University, The School for New Dance Development and DAS Choreography. www.amehenderson.com

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Ame Henderson travaille dans le domaine de la danse et de la chorégraphie. À travers une pratique qui englobe les publications, les spectacles et les expositions, son travail propose des modes expérientiels de se rassembler ensembles. Parmi ses collaborations de longue date, on peut citer la compagnie expérimentale collective Public Recordings, avec laquelle elle a produit et présenté en tournée plus d’une douzaine d’œuvres d’ensemble entre 2005 et 2015, ainsi que le Toronto Dance Theatre, où elle a collaboré en tant que chorégraphe, oeil externe et mentor de 2013 à 2019. Henderson est actuellement en tournée avec Show Gone, dernier volet d’une trilogie de duos co-créés et interprétés avec l’artiste croate Matija Ferlin. Elle est également co-créatrice de The Chains d’Evan Webber et dramaturge pour la nouvelle création de Katie Ward, Hyper Portrait. Henderson a animé des ateliers de chorégraphie dans divers contextes, notamment à l’Université de Colombie-Britannique – Okanagan, à l’Université de Calgary, au Toronto Dance Theatre, au Toronto Community Love-in et au Banff Centre. Elle a étudié à l’Université Concordia, à la School for New Dance Development et au DAS Choreography. www.amehenderson.com

Photo: Claire Harvie

Born and raised in St. John’s, NL, Christopher House is a choreographer, performer, director, educator, curator and writer. He was resident choreographer and a leading dancer for Toronto Dance Theatre from 1979-2020, the last twenty-six years as Artistic Director, and has collaborated with such artists and organizations as Les Grands Ballets Canadiens, The National Ballet of Canada, Artistic Fraud, The Hidden Cameras, Kimsooja, Deborah Hay and Jordan Tannahill. His choreography has been presented in eighteen countries worldwide. His acclaimed solo New Tricks toured Canada 2023-25. In 2026 he performed solo for eighteen hours over three days as part of Hotel Confidential at the Royal Hotel, Picton, and gave two performances during Kimsooja's Meta Painting at MOCA Toronto. Christopher House is the editor of Still With Us: Stories of HIV/AIDS and Dance in Canada, published in March 2026, and the curator of the upcoming exhibition of the same name coming to the ArQuives in Toronto on Feb. 4. 2027

He has taught composition and/or contemporary dance technique for Dance Arts (formerly the School of Toronto Dance Theatre), Canada's National Ballet School, the Juilliard School, Rotterdamse Dansacademie, Contemporary Dancers School, Simon Fraser University, Sick and Twisted Theatre and the Banff Centre among many others. His awards and honours include the Muriel Sherrin Award for International Achievement in Dance, the Silver Ticket Award for Lifetime Achievement in the Arts, an honorary doctorate from Memorial University, and the Order of Canada. In 2019, he was named by CBC Arts as one of 69 Canadian artists who have shaped Canada's rich LGBTQ History.

christopherhouse.ca

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Originaire de St. John’s, à Terre-Neuve-et-Labrador, Christopher House est chorégraphe, interprète, directeur, éducateur, commissaire d’exposition et écrivain. Il a été chorégraphe résident et danseur au Toronto Dance Theatre de 1979 à 2020, occupant le poste de directeur artistique pendant les vingt-six dernières années, et a collaboré avec des artistes et des organisations tels que Les Grands Ballets Canadiens, le Ballet national du Canada, Artistic Fraud, The Hidden Cameras, Kimsooja, Deborah Hay et Jordan Tannahill. Ses chorégraphies ont été présentées dans dix-huit pays à travers le monde. Son solo acclamé par la critique, “New Tricks”, a fait l’objet d’une tournée au Canada de 2023 à 2025. En 2026, il s’est produit en solo pendant dix-huit heures réparties sur trois jours dans le cadre de “Hotel Confidential” au Royal Hotel de Picton, et a donné deux représentations lors de l’exposition “Meta Painting” de Kimsooja au MOCA de Toronto. Christopher House is the editor of Still With Us: Stories of HIV/AIDS and Dance in Canada, published in March 2026, and the curator of the upcoming exhibition of the same name coming to the ArQuives in Toronto on Feb. 4. 2027

Il a enseigné la composition et/ou la technique de danse contemporaine à Dance Arts (anciennement la School of Toronto Dance Theatre), à l’École nationale de ballet du Canada, à la Juilliard School, à la Rotterdamse Dansacademie, à la Contemporary Dancers School, à l’Université Simon Fraser, au Sick and Twisted Theatre et au Banff Centre, entre autres. Parmi ses prix et distinctions, on compte le prix Muriel Sherrin pour ses réalisations internationales en danse, le prix Silver Ticket pour l’ensemble de son œuvre artistique, un doctorat honorifique de l’Université Memorial et l’Ordre du Canada. En 2019, il a été désigné par CBC Arts comme l’un des 69 artistes canadiens qui ont façonné la riche histoire LGBTQ du Canada.

christopherhouse.ca

Rumi Jeraj is an Ismailli muslim hailing from Sherwood Park Alberta (the world's largest hamlet). A Graduate of Toronto Metropolitan University Rumi has worked for dance artists including Hanna Kiel, Daryl Tracy, Maxine Hepner, Heidi Strauss, and Eilish Shin-Culhane. He has presented his own work at Dusk Dances, the Hamilton Fringe Festival, Citadel Compagnie’s Night Shift and Interaccess Gallery. Outside of contemporary dance, Rumi has a practice as a Tap Dancer often collaborating with local Jazz musicians. He is currently interested in bringing together his Tap and Contemporary dance practices to create a work on dancers and musicians of various forms. He aspires to create and be a part of work which mixes forms in order to better tell stories. He believes there is a perfect balance between words, music, and movement which can communicate intellectually, emotionally and viscerally all at once. He aspires to find this state on stage.

Rumi Jeraj est musulman ismaélien originaire de Sherwood Park, Alberta (le plus grand hameau du monde!). Diplômé de l'Université métropolitaine de Toronto, Rumi a travaillé pour des artistes de danse tels que Hanna Kiel, Daryl Tracy, Maxine Hepner, Heidi Strauss, and Eilish Shin-Culhane. Il a présenté ses œuvres à Dusk Dances, au Hamilton Fringe Festival, à Citadel Compagnie's Night Shift et à Interaccess Gallery. En dehors de la danse contemporaine, Rumi pratique les claquettes et collabore souvent avec des musiciens de jazz locaux. Il cherche à réunir ses pratiques de claquettes et de danse contemporaine pour créer une œuvre sur les danseurs et les musiciens de diverses formes. Il aspire à créer et à participer à des travaux qui mélangent les formes pour mieux raconter des histoires. Il pense qu'il existe un équilibre parfait entre les mots, la musique et le mouvement qui permet de communiquer à la fois intellectuellement, émotionnellement et viscéralement. Il aspire à trouver cet état sur scène.

Photo: Drew Berry

Evadne Kelly is a dance artist, educator, and interdisciplinary scholar. Since graduating from The School of Toronto Dance Theatre in 1997, she has had the honour of working with Dancetheatre David Earle as a core dancer for fourteen years and, subsequently, as a guest. As an independent artist, Evadne has also performed works by choreographers D.A. Hoskins, Allen Kaeja, Learie McNicolls, Sharon Moore, Carly Wong, Graham McKelvie, Patricia Beatty, and Julia Sasso (including 2004 Dora award winning Variété directed by Ross Manson). Parallel to her dance career, Evadne worked as a fully certified pilates instructor (Stott) for 20 years as she gained degrees in Equity Studies, Women’s Studies, Anthropology, and Dance Studies (SSHRC-funded PhD, York University). Her dissertation culminated in the publication of her peer-reviewed book, Dancing Spirit, Love, and War: Performing the Translocal Realities of Contemporary Fiji (Univ. Wisconsin Press).

Building on her 25+ years of professional dance experience and scholarly pursuits, Evadne focuses her arts-based research and creation work on community-engaged and devised methodologies for social justice aims. Evadne recently led and co-created a project series that exposes and counters histories and legacies of eugenics, including the exhibition Into the Light: Eugenics and Education in Southern Ontario (recipient of the 2019 Lieutenant Governor’s Ontario Award for Excellence in Conservation) and the online knowledge platform Into the Light: Living Histories of Oppression and Education in Ontario. The projects have formed collaborations with First Nations and settler survivor-activists and practitioners across various disciplines and sectors.

As an educator, Evadne works to collectively create conditions of knowing and knowledge sharing. She prioritizes locally-specific knowledge systems, integrates research and teaching, and brings theory and practice together for social justice aims. Evadne teaches in areas of dance and performance studies, contemporary technique, and composition. She has taught in Theatre Studies at University of Guelph and in Dance at York University. Currently, Evadne is a contract faculty member at DAI and Guelph Youth Dance, and a Sessional Lecturer at University of Toronto, where she teaches "The Theory of Dance Performance.

Evadne Kelly est artiste de danse, une éducatrice et une chercheuse interdisciplinaire. Depuis qu'elle a obtenu son diplôme de la School of Toronto Dance Theatre en 1997, elle a eu l'honneur de travailler avec le Dancetheatre David Earle en tant que danseuse principale pendant quatorze ans et, par la suite, en tant qu'invitée. En tant qu'artiste indépendante, Evadne a également interprété des œuvres des chorégraphes D.A. Hoskins, Allen Kaeja, Learie McNicolls, Sharon Moore, Carly Wong, Graham McKelvie, Patricia Beatty et Julia Sasso (dont Variété, mise en scène par Ross Manson et récompensée par un prix Dora en 2004). Parallèlement à sa carrière de danseuse, Evadne a travaillé comme instructrice de pilates certifiée (Stott) pendant 20 ans, tout en obtenant des diplômes en études sur l'équité, les femmes, l'anthropologie et la danse (doctorat financé par le CRSH à l'université de York). Sa thèse a abouti à la publication d'un ouvrage évalué par des pairs, Dancing Spirit, Love, and War: Performing the Translocal Realities of Contemporary Fiji (Univ. Wisconsin Press).

S'appuyant sur plus de 25 ans d'expérience professionnelle dans le domaine de danse et sur ses recherches universitaires, Evadne concentre sa recherche artistique et son travail de création sur l'engagement communautaire et les méthodologies conçues à des fins de justice sociale. Evadne a récemment dirigé et cocréé une série de projets qui exposent et contrent les histoires et les héritages de l'eugénisme, y compris l'exposition Into the Light: Eugenics and Education in Southern Ontario (récipiendaire du prix 2019 du lieutenant-gouverneur de l'Ontario pour l'excellence en conservation) et la plateforme de connaissances en ligne Into the Light: Living Histories of Oppression and Education in Ontario. Les projets ont donné lieu à des collaborations entre des militants et praticiens survivant autochtones et colons dans diverses disciplines et secteurs.

En tant qu'éducatrice, Evadne s'efforce de créer collectivement des conditions de connaissance et de partage des connaissances. Elle donne la priorité aux systèmes de connaissances spécifiques au niveau local, intègre la recherche et l'enseignement, et associe la théorie et la pratique à des fins de justice sociale. Evadne enseigne dans les domaines de la danse et de la performance, de la technique contemporaine et de la composition. Elle a enseigné les études théâtrales à l'Université de Guelph et la danse à l'Université York. Actuellement, Evadne est professeur adjoint à Re-Vision: The Centre for Art and Social Justice, à l'Université de Guelph. Elle est sous contrat avec DAI et à Guelph Youth Dance, ainsi que chargée de cours ponctuelle à l'Université de Toronto, où elle enseigne le cours intitulé «Théorie de la représentation dansée».

A dance artist for more than 35 years, Bonnie Kim is a multiple Dora Award nominee for performance and choreography and was named one of “Toronto’s top five dancers,” by Eye Weekly magazine. Highly regarded as a teacher, mentor and outside eye, Bonnie was Rehearsal and later Associate Director of Dancemakers for nine years. She trained at Claude Watson School for the Arts and Dance Arts Institute (formerly The School of Toronto Dance Theatre), where she is currently on faculty, and is a contemporary teacher at Toronto Metropolitan University. She has performed with many of Canada’s most respected artists and companies, including Winnipeg's Contemporary Dancers, Fondation Jean-Pierre Perreault, Claudia Moore and Hanna Kiel. Bonnie’s writing has been published in the Dance Current, Eye Weekly, Toronto Star, Toronto Life and the Fall for Dance North program magazine.

Artiste de danse depuis plus de 35 ans, Bonnie Kim a été nominée à plusieurs reprises aux prix Dora pour ses performances et ses chorégraphies et a été désignée comme l'une des cinq meilleures danseuses de Toronto par le magazine Eye Weekly. Très appréciée en tant qu'enseignante, mentor et œil extérieur, Bonnie a été répétitrice puis plus tard directrice associée de Dancemakers pendant neuf ans. Elle s'est formée à la Claude Watson School for the Arts et au Dance Arts Institute (anciennement The School of Toronto Dance Theatre), où elle fait actuellement partie de la faculté, et enseigne la danse contemporaine à l'Université métropolitaine de Toronto. Elle s'est produite avec de nombreux artistes et compagnies parmi les plus respectés au Canada, notamment Winnipeg's Contemporary Dancers, la Fondation Jean-Pierre Perreault, Claudia Moore et Hanna Kiel. Les écrits de Bonnie ont été publiés dans Dance Current, Eye Weekly, Toronto Star, Toronto Life et dans le magazine du programme Fall for Dance North.

Photo: Kendra Epik

Independent Dance Artist Ryan Lee graduated from Toronto Metropolitan University with a Bachelor of Fine Arts. He has made works for ProArteDanza, Anandam Dance Theatre, Toronto Metropolitan University, The School of Toronto Dance Theatre, Jorgen Dance/George Brown College, Centennial College, Canadian Contemporary Dance Theatre, Etobicoke School for the Arts and Rosedale School of the Arts. Ryan's work has been shown at Dance Ontario and The Summerworks Festival and is 1/3 of the Toronto based collective, The Platform

Artiste de danse indépendant, Ryan Lee est titulaire d'un baccalauréat en beaux-arts de l'Université métropolitaine de Toronto. Il a créé des œuvres pour ProArteDanza, Anandam Dance Theatre, Toronto Metropolitan University, The School of Toronto Dance Theatre, Jorgen Dance/George Brown College, Centennial College, Canadian Contemporary Dance Theatre, Etobicoke School for the Arts et Rosedale School of the Arts. Les œuvres de Ryan ont été présenté à Dance Ontario et au Summerworks Festival, et il fait partie du collectif torontois The Platform.

Suzanne Liska is a dance artist, choreographer, teacher and researcher. Her artistic practices are shaped by her diasporic Japanese Canadian cultural background. She is thus committed to exploring the interrelatedness of mind, body, and identity and the role of movement in questioning, inhabiting/embodying, reimagining, and transforming understandings of the mixed diasporic self and its intergenerational reverberations. Through a SSHRC-funded MFA in Dance Choreography, Suzanne established a research praxis anchored in dance ethnography, practice-based research, Asian dance history and form, and social somatic theory. She has received grants and awards through TAC, OAC, and CCA. Her choreographic and teaching expertise are grounded the interdisciplinary contexts of dance, theatre and music. She specializes in: somatics (certified Alexander Technique teacher); dance kinesiology; dance theatre; solo, contact and ensemble dance improvisation; Taiko; and Butoh. She is contract Faculty in York University’s Dance department and George Brown College’s Theatre School.
www.suzanneliska.com

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Suzanne Liska est danseuse, chorégraphe, enseignante et chercheuse. Ses pratiques artistiques sont façonnées par son héritage culturel japonais-canadien issu de la diaspora. Elle s'engage ainsi à explorer l'interdépendance entre l'esprit, le corps et l'identité, ainsi que le rôle du mouvement dans la remise en question, l'habitation/l'incarnation, la réinvention et la transformation de la compréhension de soi diasporique mixte et de ses répercussions intergénérationnelles. Grâce à une maîtrise en chorégraphie financée par le CRSH, Suzanne a mis en place une pratique de recherche ancrée dans l'ethnographie de la danse, la recherche fondée sur la pratique, l'histoire et les formes de la danse asiatique, ainsi que la théorie somatique sociale. Elle a reçu des subventions et des prix par l'intermédiaire du TAC, de l'OAC et du CCA. Son expertise en matière de chorégraphie et d'enseignement s'appuie sur les contextes interdisciplinaires de la danse, du théâtre et de la musique. Elle est spécialisée dans: la somatique (professeure certifiée de la technique Alexander); la kinésiologie de la danse; le théâtre dansé; l'improvisation en solo, en contact et en groupe; le taiko; et le butô. Elle est professeure contractuelle au département de danse de l'Université York et à l'école de théâtre du George Brown College. www.suzanneliska.com

Shannon Litzenberger is an award-winning choreographer, director, embodiment facilitator, and thought leader working at the intersection of art, leadership, and systems change. For more than twenty-five years, she has been a catalyst in Canada’s dance and cultural sector, creating multi-disciplinary, sensory-rich performances and championing the role of artists in shaping public life.

As a dancer and performance maker, her work explores our relationship to land, the politics of belonging, and the forgotten wisdom of the body. She is the co-founder of the interdisciplinary Looking Glass Ensemble, a member of the Wild Soma embodied research collective and the Artistic Director of Shannon Litzenberger Contemporary Dance. Her work has been presented across Canada and the US, and she has been an invited resident artist at leading institutions including Soulpepper Theatre, Toronto Dance Theatre, Harbourfront Centre, Atlantic Ballet Theatre, Banff Centre, the Remai Modern, and Memorial University.

Currently, she serves as a Public Imagination Network Fellow and Artist-Researcher-in-Residence at the University of Toronto’s School of Cities and teaches in the Creative Leadership Masters Program at the Minneapolis College of Art and Design.
www.shannonlitzenberger.com

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Shannon Litzenberger est chorégraphe, réalisatrice, facilitatrice en incarnation et leader d'opinion primée qui travaille à la croisée de l'art, du leadership et du changement systémique. Depuis plus de vingt-cinq ans, elle joue un rôle catalyseur dans le secteur de la danse et de la culture au Canada, en créant des spectacles multidisciplinaires riches en sensations et en défendant le rôle des artistes dans le façonnement de la vie publique.

En tant que danseuse et créatrice de spectacles, son travail explore notre relation à la terre, la politique de l'appartenance et la sagesse oubliée du corps. Elle est cofondatrice de l'ensemble interdisciplinaire Looking Glass Ensemble, membre du collectif de recherche incarnée Wild Soma et directrice artistique de Shannon Litzenberger Contemporary Dance. Son travail a été présenté partout au Canada et aux États-Unis, et elle a été artiste résidente invitée dans des institutions de premier plan, notamment le Soulpepper Theatre, le Toronto Dance Theatre, le Harbourfront Centre, l'Atlantic Ballet Theatre, le Banff Centre, le Remai Modern et la Memorial University.

Elle est actuellement membre du Public Imagination Network et artiste-chercheuse en résidence à la School of Cities de l'Université de Toronto. Elle enseigne également dans le cadre du programme de maîtrise en leadership créatif du Minneapolis College of Art and Design. www.shannonlitzenberger.com

Photo: Aria Evans

Lukas Malkowski is a choreographer, dancer, and performer, and a CODA (Child of Deaf Adult) working in Canada and Europe. His work uses ASL, contemporary dance, and pop culture to dissolve boundaries between genres and audiences. Lukas uses postures and gestures to create landscapes that defy perception, translation and explanation. Raised by a hearing mother and a Deaf father, his practice is grounded in Deafhood and Deaf gain —a distinct culture, language, and way of perceiving the world.

Central to Malkowski's work is the threshold of legibility — the point where expression, sight, and sound tip from meaning into pure sensation. His performances draw on physics, embodiment, and vibration to build experiences that Deaf and hearing audiences can receive equitably and differently.

Lukas has received a Dora Mavor Moore Award for Outstanding Performance Ensemble (2024), the dance: made in Canada Audience Choice Award (2023), Recherchestipendium Darstellende Kunst (2022), Tanzpraxis Emerging Artist scholarship (2022/23), and the Hnatyshyn Developing Artist Grant (2015). He obtained his BFA in Dance Performance from Toronto Metropolitan University(2016).

A sought-after dance educator, his teaching practice, Flomentum, is driven by visual, tactile embodiments of flight momentum. Lukas has taught and choreographed for TMU, DAI, Rosedale Heights School of the Arts(where he began dancing), Staatsteater Kassel, Staatsballett Berlin, Marameo, Dock 11, Tanecno Festival, and Tanzfabrik. Currently, Lukas tours in productions by and with Guillaume Côté, Robert Lepage, and Jefta van Dinther, in addition to his own work.

Lukas’ choreography has been supported and presented by Dance Ontario, dance: made in Canada, SummerWorks, and The Citadel: Ross Centre for Dance in Toronto, as well as by b12 festival and ada Studio’s “neworks” series in Berlin.

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Lukas Malkowski est chorégraphe, danseur et interprète; il est également un CODA (enfant d'adultes sourds) et travaille au Canada et en Europe. Son travail mêle la langue des signes américaine (ASL), la danse contemporaine et la culture pop pour faire tomber les frontières entre les genres et les publics. Lukas utilise des postures et des gestes pour créer des paysages qui défient la perception, la traduction et l'explication. Élevé par une mère entendante et un père sourd, sa pratique s'appuie sur la «Deafhood» et le «Deaf gain» — une culture, une langue et une façon de percevoir le monde.

Au cœur du travail de Malkowski se trouve le seuil de la lisibilité — ce point où l'expression, la vue et le son basculent du sens vers la pure sensation. Ses performances s'appuient sur la physique, l'incarnation et les vibrations pour créer des expériences que les spectateurs sourds et entendants peuvent percevoir de manière équitable, mais différente.

Lukas a reçu le prix Dora Mavor Moore dans la catégorie «Meilleure performance d'ensemble» (2024), le prix du public du festival «dance: made in Canada» (2023), la bourse de recherche en arts du spectacle (2022), la bourse Tanzpraxis pour artistes émergents (2022/23) et la bourse Hnatyshyn pour artistes en développement (2015). Il a obtenu son BFA en danse à l'Université métropolitaine de Toronto (2016).

Enseignant de danse très sollicité, sa méthode d’enseignement, Flomentum, s’appuie sur des incarnations visuelles et tactiles de l’élan du vol. Lukas a enseigné et réalisé des chorégraphies pour le TMU, le DAI, le Rosedale Heights School of the Arts (où il a fait ses débuts en danse), le Staatsteater de Kassel, le Staatsballett de Berlin, Marameo, Dock 11, le festival Tanecno et la Tanzfabrik. Actuellement, Lukas part en tournée avec des productions créées par et en collaboration avec Guillaume Côté, Robert Lepage et Jefta van Dinther, en plus de ses propres créations.

Les chorégraphies de Lukas ont bénéficié du soutien et ont été présentées par Dance Ontario, dance: made in Canada, SummerWorks et The Citadel : Ross Centre for Dance à Toronto, ainsi que par le festival b12 et la série « neworks » de l'ada Studio à Berlin.

Photo: Drew Berry

JP Manabat is a professional dancer born and raised in Scarborough, Ontario, Canada. He first stumbled across the breaking culture at an early age of 14, and became so enthralled by the scene he started participating in battles, competitions and shows. Fortunately, he has met many kind and respected mentors to train and educate him on different dance styles such as Hiphop, House, Chicago Footwork and Memphis Jooking to further deepen his love for dance. JP has had the opportunity to perform on many different platforms such as Disney, Netflix and CBC Gem Kids. JP hopes to inspire young artists to follow their dreams and is committed to sharing his knowledge and experience to help foster their growth.

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JP Manabat est danseur professionnel né et élevé à Scarborough, Ontario, Canada. Il a découvert la culture du break à l'âge de 14 ans et a été tellement fasciné par cette scène qu'il a commencé à participer à des batailles, des compétitions et des spectacles. Heureusement, il a rencontré de nombreux mentors généreux et respectés qui l'ont formé et éduqué à différents styles de danse tels que le hiphop, la house, le Chicago Footwork et le Memphis Jooking, afin d'approfondir son amour pour la danse. JP a eu l'occasion de se produire sur de nombreuses plateformes différentes telles que Disney, Netflix et CBC Gem Kids. JP espère inspirer les jeunes artistes à poursuivre leurs rêves et s'engage à partager ses connaissances et son expérience pour les aider à se développer.

Megan Nadain is a Toronto-based dancer, choreographer and dance educator originally from North Vancouver, BC. She is a graduate of Dance Arts Institute (formerly The School of Toronto Dance Theatre) and was the recipient of the The Hnatyshyn Foundation Developing Artist Grant during her first year. She is a company member with Dancetheatre David Earle and has worked independently with Darryl Tracy, Nicole Nigro, inDANCE, Toronto Heritage Dance and Miranda Abbott. In the summer of 2014, she performed with Dancetheatre David Earle in Düsseldorf, Germany at the tanzmesse dance festival. She has the pleasure of being a faculty member at Dance Arts Institute teaching in The Professional Program and Adult Contemporary Dance. She is also on faculty at The School of Canadian Contemporary Dance Theatre and directs CCDT’s Core Apprentice Program. She also works as a dance educator at York University and The National Ballet of Canada’s In Studio program and facilitates the dance programs at several independent schools in Toronto. Two projects that she has been involved with recently and that she is exceptionally passionate about are Bridging Generations Through Dance with Dancing with Parkinson’s and Moving together: Choreographic mappings of children with diverse dis/abilities and their neurological responses to a dance-play event with Coralee McLaren.

Megan Nadain est danseuse, chorégraphe et enseignante basée à Toronto et originaire de North Vancouver, en Colombie-Britannique. Elle est diplômée du Dance Arts Institute (anciennement The School of Toronto Dance Theatre) et a reçu la bourse d'artiste en développement de la Fondation Hnatyshyn au cours de sa première année. Elle est membre de la compagnie Dancetheatre David Earle et a travaillé indépendamment avec Darryl Tracy, Nicole Nigro, inDANCE, Toronto Heritage Dance et Miranda Abbott. Au cours de l'été 2014, elle s'est produite avec le Dancetheatre David Earle à Düsseldorf, en Allemagne, dans le cadre du festival de danse tanzmesse. Elle a le plaisir d'être membre de la faculté du Dance Arts Institute, où elle enseigne dans le cadre du Programme de formation professionnel et de la danse contemporaine pour adultes. Elle enseigne aussi à l'école du Canadian Contemporary Dance Theatre et dirige le Core Apprentice Program du CCDT. Elle travaille également comme professeur de danse à l'Université York et dans le cadre du programme In Studio du Ballet national du Canada, et anime les programmes de danse de plusieurs écoles indépendantes de Toronto. Deux projets auxquels elle a participé récemment et qui la passionnent particulièrement sont Bridging Generations Through Dance avec Dancing with Parkinson's et Moving together: Cartographies chorégraphiques d'enfants souffrant de divers handicaps et de leurs réactions neurologiques à un événement de danse et de jeu, avec Coralee McLaren.

Photo: Peter Skoggard

Currently based in Tkarón:to/Toronto, Dedra McDermott is a Black, new-generation artist-researcher, emerging curator, producer, and movement dramaturg with a keen interest in performance, choreographic methodology, and divergent approaches to engaging with archival practices. With a foundation as a movement artist, her evolving interdisciplinary practice explores identity, memory, and grief—utilizing autoethnographic methodology to weave movement and literary choreographies that manifest into live, filmed, and installation works. She is a highly motivated emerging arts leader with over 10 years of professional experience as a performer (Film/TV/Stage) and arts administrator (Theatre/Dance). As an emerging curator, she is curious about how stories are shared across generations, how embodied and ancestral knowledge is valued, and the ways that she can actively participate in the revalorization of choreographic voices working to shape, reframe, and re-educate the public on the realities of Black histories across the diaspora. In all facets of her evolving artistic practice, she is interested in how the choreographic imperative can alter and inform how artists and audiences can gather and experience each other differently.

Dedra has earned a BFA in Choreography and Performance (York University), an MA in Drama, Theatre and Performance Studies (University of Toronto), was a 2023-2024 Ontario Graduate Scholar and recently completed an MFA in Criticism and Curatorial Practice (OCAD University). Notable recent projects include Performing Care: Research Notes on “I Should Have Left You When” in Theatre Research in Canada . Vol. 45, No 2 (2024) and the public program Cartographies of Presence: Live at Mercer Union: a centre for contemporary art (2024). McDermott previously held the role of Co-Executive Artistic Producer of DanceWorks, a choreographic presentation platform in Toronto, Canada (August 2023 - August 2025).

Basée à Tkarón:to/Toronto, Dedra McDermott est une artiste-chercheuse noire de la nouvelle génération, commissaire émergente, productrice et dramaturge du mouvement qui s'intéresse particulièrement à la performance, à la méthodologie chorégraphique et aux approches divergentes des pratiques d'archivage. Artiste du mouvement à ses débuts, elle explore aujourd'hui, à travers une pratique interdisciplinaire en constante évolution, les thèmes de l'identité, de la mémoire et du deuil. Elle utilise une méthodologie autoethnographique pour tisser des chorégraphies littéraires et gestuelles qui se manifestent dans des œuvres vivantes, filmées et installées. Elle est une leader artistique émergente très motivée qui compte plus de 10 ans d'expérience professionnelle en tant qu'artiste (cinéma/télévision/théâtre) et administratrice artistique (théâtre/danse). En tant que conservatrice émergente, elle s'intéresse à la manière dont les histoires sont transmises d'une génération à l'autre, à la valeur accordée aux connaissances incarnées et ancestrales, et aux moyens dont elle peut participer activement à la revalorisation des voix chorégraphiques qui s'efforcent de façonner, de recadrer et de rééduquer le public sur les réalités de l'histoire des Noirs à travers la diaspora. Dans toutes les facettes de sa pratique artistique en constante évolution, elle s'intéresse à la manière dont l'impératif chorégraphique peut modifier et influencer la façon dont les artistes et le public peuvent se réunir et se percevoir différemment.

Dedra est titulaire d'un baccalauréat en beaux-arts avec spécialisation en chorégraphie et en arts de la scène (Université York), d'une maîtrise en arts dramatiques, théâtre et arts de la scène (Université de Toronto), a été boursière de l'Ontario pour les études supérieures en 2023-2024 et a récemment obtenu une maîtrise en beaux-arts avec spécialisation en critique et pratique curatoriale (Université OCAD). Parmi ses projets récents notables, citons Performing Care: Research Notes on «I Should Have Left You When» dans Theatre Research in Canada. Vol. 45, n° 2 (2024) et le programme public Cartographies of Presence: Live at Mercer Union: a centre for contemporary art (2024). McDermott occupait auparavant le poste de coproductrice artistique exécutive de DanceWorks, une plateforme de présentation chorégraphique à Toronto, au Canada (août 2023 - août 2025).

Natasha Poon Woo brings over 14 years of dance education and leadership experience to her role as Artistic Director of Dance Arts. Born and raised in Toronto, Natasha is an alumna of Claude Watson School for the Arts, Canadian Contemporary Dance Theatre (CCDT), and a summa cum laude graduate of SUNY Purchase's Conservatory of Dance, with her work spanning performance, rehearsal direction, and teaching with companies, choreographers, and institutions across the globe. She has won multiple Dora Awards as a performer with Rock Bottom Movement and Compagnie de la Citadelle, and has toured nationally and internationally with these and other companies, including Côté Danse and Conny Janssen Danst.

Natasha's leadership experience is rooted in over a decade as Rehearsal Director of CCDT, where she later served as Associate Artistic Director. There, she facilitated commissions and staged repertoire by choreographers including Alyssa Martin, Jera Wolfe, Hanna Kiel, Colin Connor, Jennifer Archibald, and Carol Anderson, and trained and mentored dozens of young dancers each season, many of whom have continued onto thriving professional careers around the world. Her rehearsal direction experience also extends to projects with Human Body Expression, Transcen|Dance Project, Rodney Diverlus, and Roderick George.

An Endorsed Expert Teacher of Limón Technique and certified instructor of C-I Training (Conditioning-with-Imagery) under Donna Krasnow, Natasha has taught at institutions including Dance Arts, Toronto Metropolitan University, the Limón Dance Company, and Toronto Dance Theatre. She is also a founding member of Healthy Dancer Canada's EDIA Committee.

Natasha brings to Dance Arts years of rigorous training, artistic collaboration, and a deep commitment to the Toronto dance community that shaped her own artistic path.

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Natasha Poon Woo apporte plus de 14 ans d’expérience dans l’enseignement de la danse et la direction à son poste de directrice artistique de Dance Arts. Née et élevée à Toronto, Natasha est une ancienne élève de la Claude Watson School for the Arts et du Canadian Contemporary Dance Theatre (CCDT). Diplômée avec mention très bien du Conservatoire de danse de SUNY Purchase, elle exerce ses activités dans les domaines de la scène, de la direction de répétitions et de l’enseignement auprès de compagnies, de chorégraphes et d’institutions partout dans le monde. Elle a remporté plusieurs prix Dora en tant qu’artiste au sein du Rock Bottom Movement et de la Compagnie de la Citadelle, et a effectué des tournées à l’échelle nationale et internationale avec ces compagnies ainsi qu’avec d’autres, notamment Côté Danse et Conny Janssen Danst.

L'expérience de Natasha en matière de direction repose sur plus d'une décennie passée à titre de directrice des répétitions du CCDT, où elle a par la suite occupé le poste de directrice artistique associé. Durant son temps au CCDT, elle a facilité la réalisation de commandes et mis en scène des œuvres de chorégraphes tels qu’Alyssa Martin, Jera Wolfe, Hanna Kiel, Colin Connor, Jennifer Archibald et Carol Anderson, tout en formant et en encadrant chaque saison des dizaines de jeunes danseurs, dont bon nombre ont ensuite mené une brillante carrière professionnelle partout dans le monde. Son expérience en tant que directrice de répétitions s’étend également à des projets menés avec Human Body Expression, Transcen|Dance Project, Rodney Diverlus et Roderick George.

Enseignante experte agréée de la technique Limón et instructrice certifiée de la méthode C-I Training (Conditionnement par l’imagerie) sous la direction de Donna Krasnow, Natasha a enseigné dans divers établissements, notamment à Dance Arts, à l’Université métropolitaine de Toronto, à la Limón Dance Company et au Toronto Dance Theatre. Elle est également membre fondatrice du comité EDIA de Healthy Dancer Canada.

Natasha apporte à Dance Arts des années de formation rigoureuse, de collaborations artistiques et un engagement profond envers la communauté de la danse de Toronto, qui ont façonné son propre parcours artistique.

Photo: Drew Berry

Raphael Roter is an award-nominated percussionist, a playful sound adventurer and a reveler in human connection whose work spans free improvisation, music for contemporary dance and afrobeat. He has composed music for contemporary dance with Eilers Dance Theatre, Sonja Boretsky, Sahara Morimoto, Yvonne Ng, The School of Canadian Contemporary Dance Theatre, The Music Gallery and with Lila Ensemble and he has collaborated as a sound-maker-mover with Germaine Lui and Meryem Alaoui. He has also composed music for short animated films by Bea Labikova and Louis Roba. Raphael plays drums and percussion with the avant groove band future proof, unbleak trio and the afrobeat band Asiko Afrobeat Ensemble. Since 2019 he has also been the organizer of Toronto’s long standing music-dance improvisation series coexisDance. In all his work, Raphael places curiosity and wonder at the heart.

Raphael Roter est percussionniste nominé pour plusieurs prix, un aventurier sonore et un passionné des relations humaines dont le travail couvre l'improvisation, la musique pour la danse contemporaine et l'afrobeat. Il a composé de la musique pour la danse contemporaine avec Eilers Dance Theatre, Sonja Boretsky, Sahara Morimoto, Yvonne Ng, The School of Canadian Contemporary Dance Theatre, The Music Gallery et Lila Ensemble. Il a également collaboré en tant que créateur sonore et danseur avec Germaine Lui et Meryem Alaoui. Il a également composé la musique de courts métrages d'animation réalisés par Bea Labikova et Louis Roba. Raphael joue de la batterie et des percussions avec le groupe avant-gardiste Future Proof, le trio Unbleak et le groupe afrobeat Asiko Afrobeat Ensemble. Depuis 2019, il est également l'organisateur de la série d'improvisation musicale et chorégraphique coexisDance, qui existe depuis longtemps à Toronto. Dans toutes ses œuvres, Raphaël place la curiosité et l'émerveillement au cœur de son travail.

Elke Schroeder is a Canadian/German Helsinki-based dance artist. A performer, teacher and maker, her work takes her to art and movement institutions around the world. A graduate of the School of Toronto Dance Theatre in 2005, her diverse training background includes myriad dance styles, acrobatics, theatre studies, martial arts, athletics, functional movement and yoga. Elke is a long-time student and instructor of the Fighting Monkey practice and is co-creator of Underdog Practice with her partner Mikko Rinnevuori. Elke works as a freelancer and has performed with dance companies such as Raekallio Corp, Susanna Leinonen Company, Blue Ceiling Dance and Kaeja d’Dance, and is currently creating solo work for her own company, One Animal.

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Elke Schroeder est danseuse d'origine canadienne et allemande installée à Helsinki. Artiste, enseignante et créatrice, son travail l'amène à se produire dans des institutions dédiées à l'art et au mouvement à travers le monde. Diplômée de la School of Toronto Dance Theatre en 2005, elle a suivi une formation très variée comprenant une multitude de styles de danse, l'acrobatie, des études théâtrales, les arts martiaux, l'athlétisme, le mouvement fonctionnel et le yoga. Elke pratique et enseigne depuis longtemps la méthode Fighting Monkey practice; elle est également co-créatrice de la méthode Underdog Practice avec son partenaire Mikko Rinnevuori. Elke travaille en tant qu'indépendante et s'est produite avec des compagnies de danse telles que Raekallio Corp, Susanna Leinonen Company, Blue Ceiling Dance et Kaeja d’Dance. Elle crée actuellement un spectacle en solo pour sa propre compagnie, One Animal.

Katherine Semchuk is a contemporary dance artist based primarily in Tkaronto/Toronto. Originally from Amiskwaciwâskahikan (Edmonton), she has been establishing herself in multiple cities across the country, performing and working with a multitude of artists across disciplines. She has performed and collaborated with Kaeja d'Dance, Mile Zero Dance, Project InTandem (Meghann Michalsky & Sylvie Moquin), Tapestry Opera, Carol Anderson, Robert Binet, Charles-Alexis Desgagnés/Personne Danse, Sasha Ivanochko, Robert Stephen, Mateo Galindo Torres, Naishi Wang and William Yong/Zata Omm. Since participating in Peggy Baker Dance Projects' 2019/20 RBC Emerging Artist Program, Katherine has had the privilege of working closely with Peggy through mentorship, repertoire and collaborations. In 2023, she co-created and toured Maybe we Land with Meghann Michalsky, a duet nominated for two Dora Mavor Moore Awards. Currently, she is a company member with Radical System Art (Vancouver), and Côté Danse (Toronto), touring nationally and internationally.

Katherine’s choreographic work has been presented by Chutzpah! Festival, Citadel + Compagnie, Expanse Festival, Fluid Fest, FODAR - Market Dances, Mile Zero Dance, and New Dance Horizons. She has created dance for musical projects including Julian Anderson-Bowes, Black Fish Project, Charsu Quartet, Jordan Hart, Younggun Kim, Mear, and Projectwhatever. In 2021, she began developing a solo-based project titled Inner Works: A Solo Study, which includes collaborative making and mentorship with Tia Kushniruk, Sasha Ivanochko and Peggy Baker. Her work has been supported by multiple national/international residencies, Edmonton Arts Council, Alberta Foundation for the Arts, and Canada Council for the Arts. Through an improvisational practice, the investigation of solo work, and choreographic processes, she continues to dissect her artistic values. She is fascinated by the use of spirals, momentum and opposition/conflict in the body, stability and change, and integrates these ideas into her ever-evolving creative practice.

Katherine is passionate about cultivating community and the power of dance as a primary form; she coordinated a training platform called westside movement sessions in Tkaronto, is part of the faculty at Dance Arts Institute (formerly The School of Toronto Dance Theatre) and has been a rehearsal director for William Yong and Robert Binet (The National Ballet of Canada), Lukas Malkowski (Toronto Metropolitan University) and CinnaMoon Collective. She has shared her practice with students and emerging/professional artists at Canada's National Ballet School, Conteur, Ballet Edmonton, The University of Alberta, YYC Contemporary Training, The Fifth and public schools across Edmonton and Toronto.

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Katherine Semchuk est artiste de danse contemporaine basée principalement à Tkaronto/Toronto. Originaire d'Amiskwaciwâskahikan (Edmonton), elle s'est établie dans plusieurs villes du pays, se produisant et travaillant avec une multitude d'artistes de toutes disciplines. Elle s'est produite et a collaboré avec Kaeja d'Dance, Mile Zero Dance, Project InTandem (Meghann Michalsky & Sylvie Moquin), Tapestry Opera, Carol Anderson, Robert Binet, Charles-Alexis Desgagnés/Personne Danse, Sasha Ivanochko, Robert Stephen, Mateo Galindo Torres, Naishi Wang et William Yong/Zata Omm. Depuis sa participation au programme RBC Emerging Artist Program 2019-2020 de Peggy Baker Dance Projects, Katherine a eu le privilège de travailler en collaboration avec Peggy dans le cadre de mentorat, de répertoire et de collaborations. En 2023, elle a co-créé et présenté en tournée Maybe we Land avec Meghann Michalsky, un duo nominé pour deux prix Dora Mavor Moore. Elle est membre des compagnies Radical System Art (Vancouver) et Côté Danse (Toronto), avec lesquelles elle effectue des tournées nationales et internationales.

Les chorégraphies de Katherine ont été présentées dans le cadre du festival Chutzpah!, par Citadel + Compagnie, au festival Expanse, au Fluid Fest, au FODAR - Market Dances, au Mile Zero Dance et au New Dance Horizons. Elle a créé des chorégraphies pour des projets musicaux, notamment Julian Anderson-Bowes, Black Fish Project, Charsu Quartet, Jordan Hart, Younggun Kim, Mear et Projectwhatever. En 2021, elle a commencé à développer un projet solo intitulé Inner Works: A Solo Study, qui comprend une collaboration et un mentorat avec Tia Kushniruk, Sasha Ivanochko et Peggy Baker. Son travail a été soutenu par plusieurs résidences nationales et internationales, le Conseil des arts d'Edmonton, la Fondation des arts de l'Alberta et le Conseil des arts du Canada. À travers la pratique de l'improvisation, l'exploration du travail en solo et les processus chorégraphiques, elle continue à disséquer ses valeurs artistiques. Elle est fascinée par l'utilisation des spirales, de l'élan et de l'opposition/conflit dans le corps, de la stabilité et du changement, et intègre ces idées dans sa pratique créative en constante évolution.

Katherine se passionne pour le développement communautaire et le pouvoir de la danse en tant que forme d'expression primaire. Elle a coordonné une plateforme de formation appelée Westside Movement Sessions à Tkaronto, fait partie du corps enseignants du Dance Arts Institute (anciennement The School of Toronto Dance Theatre) et a été directrice de répétitions pour William Yong et Robert Binet (Ballet national du Canada), Lukas Malkowski (Université métropolitaine de Toronto) et CinnaMoon Collective. Elle a partagé son expérience avec des étudiants et des artistes émergents ou professionnels à l'École nationale de ballet du Canada, au Conteur, au Ballet Edmonton, à l'Université de l'Alberta, au YYC Contemporary Training, à The Fifth et dans des écoles publiques d'Edmonton et de Toronto.

Photo: Kendra Epik

A finalist of the 2025 Johanna Metcalf Performing Arts Prizes and the 2024 Toronto Arts Foundation Muriel Sherrin Award, Lua Shayenne, a dynamic creator, intertwines contemporary narratives through dance, song, and storytelling. Inspired by her African heritage and the Baha'i Faith, her art aims to ignite hearts and stir consciences, fostering dialogue and advocacy for ecological stewardship, social equity, and spiritual growth.

Lua is the Dora-nominated creator and performer of the dance theatre children's tale Yassama and The Beaded Calabash, which has been touring since 2023 in Vancouver, Rouyn-Noranda, York Region, Orléans, Saskatoon and Ottawa.

Lua is the artistic director and choreographer of Lua Shayenne Dance Company (LSDC) that has produced seven full length productions. LSDC’s new works include an international collaboration and a new dance film titled WAVES. Through LSDC, Lua boldly envisioned and launched the YENSA Festival, a biennial event that highlights the incredible diversity of Black women dance practitioners. She is thrilled to be curating and producing an exciting program for 2026.

Lua teaches at Toronto Metropolitan University’s dance program and brings African dance, music, storytelling, and culture to grassroots organizations and schools across Canada.

Finaliste des prix Johanna Metcalf Performing Arts 2025 et du prix Muriel Sherrin 2024 de la Toronto Arts Foundation, Lua Shayenne, créatrice dynamique, entremêle des récits contemporains à travers la danse, le chant et la narration. Inspirée par son héritage africain et la foi bahá'íe, son art vise à enflammer les cœurs et à éveiller les consciences, en favorisant le dialogue et la défense de la gestion écologique, de l'équité sociale et de la croissance spirituelle.

Lua est la créatrice et interprète nominée aux prix Dora du conte pour enfants Yassama and The Beaded Calabash, une pièce de danse-théâtre qui est en tournée depuis 2023 à Vancouver, Rouyn-Noranda, dans la région de York, à Orléans, Saskatoon et Ottawa.

Lua est directrice artistique et chorégraphe de la Lua Shayenne Dance Company (LSDC), qui a produit sept spectacles complets. Parmi les nouvelles œuvres du LSDC figurent une collaboration internationale et un nouveau film de danse intitulé WAVES. Grâce au LSDC, Lua a audacieusement imaginé et lancé le festival YENSA, un événement biennal qui met en lumière l'incroyable diversité des danseuses noires. Elle est ravie d'être chargée de la programmation et de la production d'un programme passionnant pour 2026. Lua enseigne dans le cadre du programme de danse de l'Université métropolitaine de Toronto et fait découvrir la danse, la musique, les contes et la culture africains à des organisations communautaires et à des écoles partout au Canada.

Photo: Dahlia Katz

Michelle Silagy is a Toronto-based contemporary dance artist who graduated from The School of Toronto Dance Theatre. Her work of 40 years with children and intergenerational populations inform how she playfully collaborates. Her choreographic work, hailed for its gentle nuance, is shown in galleries, stage settings, and outdoor spaces and has been presented in Toronto, Amsterdam, New York City, and the Arctic Circle. Silagy shares innovative practices inspired by her directorship of The Young Dancers' Program and her Pedagogical Practice at the School of Toronto Dance Theater within the Artistic Directorship of Patricia Fraser (1990 - 2022). Silagy received DanceAbility International Facilitator Certification from Alito Alessi in Vienna and is one of 11 international artists chosen to further DanceAbility training with Alessi, in Mexico and Uruguay. She originated WE Dance, an inclusion partnership with STDT and Canada's National Ballet School. She co-created Dora Nominated Flying Hearts (a relaxed performance) and has shared an inclusive dance process in Oily Cart's UK International Sensory Lab. Silagy works extensively with Andrea Nann and Dreamwalker Dance Company, bringing together Communities and Artists. Silagy coordinates Moonhorse Dance Theatre's Dance Encounters and is an Inclusion Advisor with Wild Soma. As an outside eye, she has collaborated with Carol Anderson, Xi Wang, Pia Bouman and Andrea Nann. Silagy’s practice includes instrumental exchange with her contemporary, Sarah Chase. Silagy's 2026-27 projects include: The Reverie Duets, celebrating difference, The Social Fabric Project with Textile Artist Miranda Bouchard of Thinking Rock' Algoma, and Creating an intergenerational dance and set installation for The Wee Festival in collaboration with Lynda Hill and Jessica Runge. Silagy’s Nominations include: K.M. Hunter Award, Johanna Metcalf Performing Arts Prizes, The Thesis 2016 Award of the Year, York University. Her awards include The Inaugural Toronto Arts Foundation Choreographer’s Award and funding awards from the Canada Council for the Arts, The Ontario Arts Council, The Laidlaw Foundation, and Toronto Arts Council.

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Michelle Silagy est artiste de danse contemporaine établie à Toronto, diplômée de la School of Toronto Dance Theatre. Ses 40 années de travail auprès des enfants et de populations intergénérationnelles influencent la manière ludique dont elle collabore. Ses œuvres chorégraphiques, saluées pour ses nuances délicates, ont été présentées dans des galeries, sur scène et dans des espaces extérieurs, et ont été mises en scène à Toronto, à Amsterdam, à New York et dans le cercle arctique. Silagy partage des pratiques novatrices inspirées de son expérience à la direction du «Young Dancers’ Program» et de son travail pédagogique à la School of Toronto Dance Theater, sous la direction artistique de Patricia Fraser (1990-2022). Silagy a obtenu la certification d’animatrice de DanceAbility International auprès d’Alito Alessi à Vienne et fait partie des 11 artistes internationaux sélectionnés pour approfondir leur formation en DanceAbility auprès d’Alessi, au Mexique et en Uruguay. Elle est à l’origine de «WE Dance», un partenariat en faveur de l’inclusion mis sur pied avec STDT et l’École nationale de ballet du Canada. Elle a co-créé «Flying Hearts» (un spectacle adapté), en nomination aux prix Dora, et a partagé une démarche de danse inclusive dans le cadre du «UK International Sensory Lab» d’Oily Cart. Silagy travaille en étroite collaboration avec Andrea Nann et la Dreamwalker Dance Company, favorisant ainsi les liens entre les communautés et les artistes. Elle coordonne le programme «Dance Encounters» du Moonhorse Dance Theatre et occupe le poste de conseillère en inclusion au sein de Wild Soma. En tant qu’oeil externe, elle a collaboré avec Carol Anderson, Xi Wang, Pia Bouman et Andrea Nann. La pratique artistique de Silagy comprend des échanges musicaux avec sa contemporaine, Sarah Chase. Parmi les projets de Silagy pour 2026-2027, on retrouve: «The Reverie Duets», qui célèbre la différence; «The Social Fabric Project», en collaboration avec l’artiste textile Miranda Bouchard, de Thinking Rock’ Algoma; ainsi que la création d’une installation de danse et de décors intergénérationnelle pour le Wee Festival, en collaboration avec Lynda Hill et Jessica Runge. Silagy a notamment été mise en nomination pour le prix K.M. Hunter, les prix Johanna Metcalf des arts de la scène et le prix «Thesis 2016» de l’année décerné par l’Université York. Elle a reçu, entre autres, le tout premier prix de chorégraphie de la Toronto Arts Foundation, ainsi que des subventions du Conseil des arts du Canada, du Conseil des arts de l’Ontario, de la Fondation Laidlaw et du Conseil des arts de Toronto.

Photo: Lisa Fleischmann

Emily Spearing (she/her) trained at Dance Arts Institute (formerly The School of Toronto Dance Theatre). Upon graduating, Spearing worked as a freelance dancer for various companies, collectives and independent choreographers in Toronto and Halifax and has been a key member of Nostos Collectives since 2016.

She attended the post-graduate International Choreographic Exchange Program at Salzburg Experimental Academy of Dance (SEAD). After completing the program she was invited for a year long Artistic Residency at SEAD. Emily has been able to present her own professional choreographic works at New Faces New Dances Festival (Austria), Kinetic Open Studio Series (Halifax), Dance Ontario’s Dance Weekend, Dance Works Co-Works, Edmonton’s NextFest, New Blue Dance Festival, Montreal Fringe Festival and London Fringe Festival as well as several self-produced shows through Nostos Collectives.

Emily Spearing (elle) a été formée à le Dance Arts Institute (anciennement The School of Toronto Dance Theatre). Après avoir obtenu son diplôme, Spearing a travaillé comme danseuse indépendante pour diverses compagnies, collectifs et chorégraphes indépendants à Toronto et à Halifax, et elle est membre clé de Nostos Collectives depuis 2016.

Elle a participé au programme d'échange chorégraphique international de troisième cycle de la Salzburg Experimental Academy of Dance (SEAD). Après avoir terminé le programme, elle a été invitée à une résidence artistique d'un an à la SEAD. Emily a pu présenter ses propres œuvres chorégraphiques professionnelles au New Faces New Dances Festival (Autriche), au Kinetic Open Studio Series (Halifax), au Dance Weekend de Dance Ontario, au Dance Works Co-Works, au NextFest d'Edmonton, au New Blue Dance Festival, au Montreal Fringe Festival et au London Fringe Festival, ainsi qu'à plusieurs spectacles autoproduits par Nostos Collectives.

Photo: Kendra Epik

Heidi Strauss makes work as a way to examine human behaviour from different perspectives. She explores relationships as a way to consider the ‘realness’ of where and who we are - often responding to the current social and environmental moment. In playing with how performance is seen/experienced, she creates post-immersive, installation, ambulatory, and site-sensitive works for theatre, non-theatre and digital environments, reconfiguring the roles of audience and performer to deepen connection with others and invite self-reflection. Heidi is the artistic director of Tkaronto-based adelheid, and a KM Hunter and multi-Dora Award winning choreographer. She has been a resident artist at the Factory Theatre, The Theatre Centre, Harbourfront Centre, and is currently at The Citadel. Her film collaborations have been screened at dança em foco (Rio de Janiero), nu2’s IDN festival (Barcelona) d:mic(Toronto) and site-specifically through Art Spin. She has been commissioned by/choreographed for Toronto Dance Theatre, Mocean Dance, The Frankfurt Opera, The Canadian Opera Company, Volcano Theatre, and the Stratford Festival. She runs re:research, a non-product based creation intensive for emerging dance artists, and holds an MFA from the Transart Institute/Liverpool John Moore’s University. https://adelheid.ca

Heidi Strauss crée des œuvres dans le but d'examiner le comportement humain sous différents perspectives. Elle explore les relations comme un moyen de considérer la «vérité» de l'endroit et de l'individu que nous sommes - souvent en réponse au moment social et environnemental actuel. En jouant avec la façon dont la performance est vue/vécue, elle crée des œuvres post-immersives, des installations, des œuvres ambulatoires et des œuvres sensibles au site pour des environnements théâtraux, non théâtraux et numériques, reconfigurant les rôles du public et de l'interprète afin d'approfondir la connexion avec les autres et d'inviter à l'autoréflexion. Heidi est directrice artistique de la compagnie adelheid, basée à Tkaronto, et chorégraphe lauréate de KM Hunter et de plusieurs prix Dora. Elle a été artiste résidente au Factory Theatre, au Theatre Centre, au Harbourfront Centre et est actuellement à la Citadelle. Ses collaborations cinématographiques ont été projetées à dança em foco (Rio de Janiero), au festival IDN de nu2 (Barcelone), à d:mic (Toronto) et site-specifically d'Art Spin. Elle a reçu des commandes du Toronto Dance Theatre, Mocean Dance, le Frankfurt Opera, le Canadian Opera Company, Volcano Theatre, et le Stratford Festival. Elle dirige re:research, un programme intensif de création sans produit pour les artistes de danse émergents, et est titulaire d'une maîtrise en beaux-arts du Transart Institute/Liverpool John Moore's University.
https://adelheid.ca

Anisa Tejpar (she/her) is a certified intimacy professional specializing in dance, ensuring that artists navigate intimate scenes with confidence, consent, and creativity. A Dora Mavor Moore Award-winning performer, she fosters safe and respectful spaces where dancers and actors feel empowered to explore vulnerability while maintaining professional and personal boundaries.

Anisa is a graduate of Canada’s National Ballet School and has collaborated with prestigious institutions such as The National Ballet of Canada, Canadian Stage, Ballet BC, Côté Danse, ProArteDanza, Human Body Expression, Zata Omm, Nova Dance, and various film and television productions, including Star Trek: Section 31, Orphan Black: Echoes, Terminal List: Dark Wolf, Beacon 23, Darkest Miriam, and the highly anticipated Star Trek: Starfleet Academy. She currently teaches Consent + Boundaries for Dancers at Toronto Metropolitan University.

Anisa also serves on the Board of Directors for Canada’s National Ballet School and Canada’s National Ballet School Foundation Board. Additionally, she is a member of the School of Performance Advisory Committee for Toronto Metropolitan University.

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Anisa Tejpar (elle) est une professionnelle certifiée en intimité spécialisée dans la danse, qui veille à ce que les artistes abordent les scènes intimes avec confiance, consentement et créativité. Lauréate du prix Dora Mavor Moore, elle favorise la création d'espaces sûrs et respectueux où les danseurs et les acteurs se sentent libres d'explorer leur vulnérabilité tout en conservant leurs limites professionnelles et personnelles.

Anisa est diplômée de l'École nationale de ballet du Canada et a collaboré avec des institutions prestigieuses telles que le Ballet national du Canada, Canadian Stage, Ballet BC, Côté Danse, ProArteDanza, Human Body Expression, Zata Omm, Nova Dance, ainsi que diverses productions cinématographiques et télévisuelles, notamment Star Trek: Section 31, Orphan Black:Echoes, Terminal List: Dark Wolf, Beacon 23, Darkest Miriam et le très attendu Star Trek: Starfleet Academy. Elle enseigne actuellement le cours Consentement + Limites pour les danseurs à l'Université métropolitaine de Toronto. Anisa siège également au conseil d'administration de l'École nationale de ballet du Canada et au conseil d'administration de la Fondation de l'École nationale de ballet du Canada. De plus, elle est membre du comité consultatif de la School of Performance de l'Université métropolitaine de Toronto.

Photo: Shawn Bracke

Shalon T. Webber-Heffernan is an independent curator, educator, and performance art scholar with a PhD in Theatre and Performance Studies. Her work engages somatics, contemporary art, and performance theory, with a focus on embodied practices and critical inquiry. She currently leads Curating the Village, a pilot project supported by Balancing Act Canada’s Level Up! initiative.

Her writing has appeared in Performance Matters, Theatre Research in Canada, C Magazine, Comparative Media Arts Journal, Peripheral Review, and Canadian Theatre Review. A core member of The Toronto Performance Art Collective (TPAC) and a collaborator with Hemispheric Encounters: Developing Transborder Research-Creation Practices, she has curated projects with FADO Performance Art Centre, the Blackwood Gallery, Vtape, and Sensorium: Centre for Digital Arts and Technology. Her research and practices have been presented internationally.

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Shalon T. Webber-Heffernan est conservatrice indépendante, éducatrice et spécialiste des arts de la scène. Elle est titulaire d'un doctorat en études théâtrales et scéniques. Son travail porte sur la somatique, l'art contemporain et la théorie de la performance, en mettant l'accent sur les pratiques incarnées et la réflexion critique. Elle dirige Curating the Village, un projet pilote soutenu par l'initiative Level Up! de Balancing Act Canada.

Ses écrits ont été publiés dans Performance Matters, Theatre Research in Canada, C Magazine, Comparative Media Arts Journal, Peripheral Review et Canadian Theatre Review. Membre clé du Toronto Performance Art Collective (TPAC) et collaboratrice du projet Hemispheric Encounters: Developing Transborder Research-Creation Practices, elle a organisé des projets avec le FADO Performance Art Centre, la Blackwood Gallery, Vtape et Sensorium: Centre for Digital Arts and Technology. Ses recherches et ses pratiques ont été présentées à l'échelle internationale.

Photo: Brian J. Johnson

Timea Wharton-Suri serves communities through her work as an educator, curator, producer, and arts executive. For over three decades she has studied, performed, taught, curated, produced, programmed, administrated, and advocated for dance in Canada. While gaining this experience, she earned a Bachelor of Fine Arts (BFA) in Dance from York University, and a Master of Business Administration (MBA) and Arts and Media Management Graduate Diploma from Schulich School of Business. She continues studies in waacking, Black liberation, and dramaturgy. Timea has worked in various capacities with several organizations: In senior administrative positions at dance Immersion, Toronto Dance Theatre, Dancer Transition Resource Centre, and Toronto Arts Council; in curatorial roles with TO Live, Canadian Stage, and dance Immersion; as a movement educator with Turning Point and the Thornhill School of Ballet; as a strategic consultant to KasheDance and Nova Dance; and as a performer with Ronald Taylor Dance, Ballet Creole, and Higher Ground. She has also mentored numerous emerging artists who have gone on to contribute meaningfully to the arts as a way of paying it forward for those who mentored her along her journey.
www.timeawharton.ca

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Timea Wharton-Suri sert les communautés à travers son travail d'éducatrice, de conservatrice, de productrice et de directrice artistique. Depuis plus de trois décennies, elle étudie, pratique, enseigne, organise, produit, programme, administre et défend la danse au Canada. Tout en acquérant cette expérience, elle a obtenu un baccalauréat en beaux-arts (BFA) en danse à l'Université York, ainsi qu'une maîtrise en administration des affaires (MBA) et un diplôme d'études supérieures en gestion des arts et des médias à la Schulich School of Business. Elle poursuit ses études en waacking, libération noire et dramaturgie. Timea a occupé divers postes au sein de plusieurs organisations: elle a occupé des postes administratifs de haut niveau chez dance Immersion, Toronto Dance Theatre, Dancer Transition Resource Centre et Toronto Arts Council; elle a occupé des fonctions de conservatrice chez TO Live, Canadian Stage et dance Immersion; elle a été professeure de mouvement chez Turning Point et à la Thornhill School of Ballet; elle a été consultante stratégique pour KasheDance et Nova Dance; et elle a été interprète chez Ronald Taylor Dance, Ballet Creole et Higher Ground. Elle a également encadré de nombreux artistes émergents qui ont ensuite apporté une contribution significative aux arts, afin de rendre la pareille à ceux qui l'ont guidée tout au long de son parcours.

Photo: Crated Dozen Photography

Dance artist Alanna Kraaijeveld has worked in the contemporary dance milieu for twenty years as a performer, teacher, and artistic support. She has danced for Dancemakers, Frédérick Gravel, Louise Bédard, Mélanie Demers, Susanna Hood, Sylvain Émard, and Tedd Robinson. With her years-long collaborator, saxophonist Yves Charuest, she improvises in live art and music venues.

Pivotal experiences include dancing with Le Groupe Dance Lab in Ottawa under the direction of Peter Boneham (2004–2009), performing and touring with previously Montréal-based choreographer Dave St-Pierre (2012–2018), and studying with Athens-based Linda Kapetanea and Jozef Frucek, developers of the Fighting Monkey Practice (2015–present). Each meeting precipitated a paradigm shift in her understanding of dance and her role within it, and revealed and expanded her capacity as an artist and person.

Kraaijeveld teaches nationally at professional dance training institutions. For several years, she has been hosting dialogic practice initiatives that happily assemble different practitioners, materials and disciplines. Examples include wrestling and voicework (Susanna Hood), judo and storytelling (Catherine Lalonde), clay sculpture and dance, approaches to improvisation with Yves Charuest. These channel her artistic inquiry and connect her with artists of different ages, experience and creativity. She has a Master of Arts degree in Professional Practice (Dance Technique Pedagogy) from Middlesex University (UK).

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Artiste de danse, Alanna Kraaijeveld travaille depuis vingt ans dans le milieu de la danse contemporaine en tant qu'interprète, enseignante et assistante artistique. Elle a dansé pour Dancemakers, Frédérick Gravel, Louise Bédard, Mélanie Demers, Susanna Hood, Sylvain Émard et Tedd Robinson. Avec son collaborateur de longue date, le saxophoniste Yves Charuest, elle improvise dans des lieux dédiés à l'art et à la musique.

Parmi ses expériences marquantes, citons ses collaborations avec Le Groupe Dance Lab à Ottawa sous la direction de Peter Boneham (2004-2009), ses performances et tournées avec le chorégraphe Dave St-Pierre, anciennement basé à Montréal (2012-2018), et ses études auprès de Linda Kapetanea et Jozef Frucek, créateurs de la Fighting Monkey Practice, basés à Athènes (depuis 2015). Chaque rencontre a précipité un changement de paradigme dans sa compréhension de la danse et de son rôle au sein de celle-ci, et a révélé et élargi ses capacités en tant qu'artiste et personne.

Kraaijeveld enseigne dans des institutions nationales de formation professionnelle en danse. Depuis plusieurs années, elle anime des initiatives de pratique dialogique qui réunissent avec bonheur différents praticiens, matériaux et disciplines. Parmi les exemples, citons la lutte et le travail vocal (Susanna Hood), le judo et la narration (Catherine Lalonde), la sculpture sur argile et la danse, ainsi que les approches de l'improvisation avec Yves Charuest. Ces derniers canalisent sa recherche artistique et la mettent en relation avec des artistes d'âges, d'expériences et de créativité différents. Elle est titulaire d'une maîtrise des arts en pratique professionnelle (pédagogie de la technique de danse) de l'université Middlesex (Royaume-Uni).